LUNEDI’ 26  LUGLIO

L’OMBRA DI ARES

Parco Tarantini ore 21.30

contributo volontario

i professionisti della tragedia greca e gli allievi del laboratorio teatrale di Maratea curato da
Nicholas Gallo: un confronto sull’idea greca di giustizia in una serata multimediale  dedicata
alla memoria  di Josè Cernicchiaro.

MARTEDI’ 27 LUGLIO

TRA JAZZ E FADO

località Illicini ore 21.00

serata a pagamento con degustazione
concerto esclusivo del gruppo jazz di Arrigo Cappelletti insieme ai grandi interpreti del fado portoghese,
giunti appositamente da Lisbona , Custodio Castelo e Cristina Maria.

Con la partecipazione straordinaria del Maestro Carlo Bruno.

Nella suggestiva cornice de ILLICINI, per gentile concessione della società di gestione.

MERCOLEDI’ 28 LUGLIO

IL MARE DEGLI EROI

Recital di Massimo Popolizio

Piazzetta della Chiesa Madre ore 21.00

serata a a pagamento
un grande reading poetico interpretato da uno dei  massimi talenti del teatro contemporaneo,
protagonista dei più grandi successi del Piccolo Teatro di Milano nell’ultimo ventennio.Una discesa
negli abissi della condizione umana attraverso la grande poesia classica.

VENERDI’ 30 LUGLIO

OMAGGIO A FELLINI

Sandra Milo in CARO FEDERICO

a cura di PINO STRABIOLI
pianoforte GREGORIO CALDERANO

Parco Tarantini ore 21.00

serata a pagamento con degustazione
In prima nazionale debutta l’attesissimo collage di ricordi di Sandra Milo . In un serrato dialogo con Pino Strabioli si snoda una lunga storia d’arte e di vita che ricostruisce il rapporto professionale e umano fra la grande attrice e il geniale Fellini,al quale l’evento è idealmente dedicato.

SABATO 31 LUGLIO

PREMIO MARATEA

Porto ore 21,30

ingresso libero

Dal giornalismo al cinema,dalla canzone alla fiction , una serata d’onore in cui i maggiori professionisti dello spettacolo e della cultura parlano di sè,dialogano col pubblico e rivelano i segreti degli eventi che li hanno visti protagonisti .

DOMENICA 1 AGOSTO

CONCERTO LIRICO dell’Orchestra di KARKOV

Piazza Mercato ore 21.30

serata a pagamento
Con la direzione del Maestro  Luca Gaeta le più belle arie d’opera e le più significative pagine
della lirica dall’Ottocento ai nostri giorni accendono l’ultima notte del Festival.

Nell’anno che vede ridursi tante attività culturali in Italia per effetto della crisi economica e dei tagli di bilancio l’Associazione Culturale Le tre Torri, mantiene il proprio impegno morale con la città garantendo la persistenza di una manifestazione che lo scorso anno ha meritato il favore del pubblico caratterizzando la programmazione estiva. Grazie allo sforzo economico dei suoi dirigenti, sacrificio personale dei soci e alla conferma di vecchi e nuovi Sponsor.  Le tre Torri in collaborazione con il Comune di Maratea intende offrire anche nel 2010 proposte di cultura, intrattenimento e formazione allo scopo di valorizzare talenti locali accanto a grossi professionisti. In tal modo il senso dei luoghi si armonizza con la capacità degli artisti di tutto il mondo di divulgare agli ospiti e ai residenti un modo moderno di fare turismo: la condivisione della bellezza.
Roberto Di lascio  Presidente Le Tre Torri

Nei momenti difficili si dimostra la capacità dei giovani validi, dell’organizzazioni volitive e delle amministrazioni intelligenti di adeguarsi alle necessità affrontando i problemi e confrontandosi con le novità insorte. Nell’ estate 2010 il Festival diventa sempre più attento al territorio e alle sue esigenza Turistico-Culturali, tese a mantenere un elevata offerta e servizi sempre più qualificati. Per questo la rassegna si apre ai percorsi internazionali con un confronto esclusivo di stili musicali di alto profilo, con uno dei maggiori attori del teatro Europeo, con l’omaggio speciale al più grande regista italiano con una grande notte di lirica. Ma al tempo stesso rafforza la collaborazione fra le istituzioni scolastiche e i professionisti attraverso la tragedia greca e valorizza sempre più il Premio Maratea allargando i riconoscimenti ai più significativi esponenti dela cultura contemporanea.

In definitiva un festival decisamente “Glocal” aperto alle Arti nell’epoca della globalizzazione ma profondamente rispettoso delle identità e dei valori delle comunità locale.

Considerato i difficili tempi che ci è dato vivere, non è un impresa da poco.

Gennaro Colangelo Direttore Artistico Festival Incontro fra le Arti.

Scrittore, regista e autore teatrale capace di far coesistere sperimentazione, eleganza, audacia, provocazione e tradizione con un’armonia difficilmente, o forse mai, raggiunta in seguito.

Figura fondamentale e pietra miliare della cultura italiana dal secondo dopoguerra fino alla morte, avvenuta nel 2005.

Di lui ci parla, a Maratea “dialogos”, Rocco Talucci, giovane regista lucano autore di un documentario unico.

Per la scelta del soggetto. Per la cura della ricerca. Per la scelta narrativa.

Patroni Griffi, nonostante la sua straordinaria e variegata produzione, è un intellettuale troppo presto messo da parte, dimenticato da certa parte della cultura italiana.

Merito di Talucci è riportare a galla la sua vita e la sua poetica, attraverso il racconto informale e sincero dei suoi compagni di viaggio e degli amici fraterni di vita, avventure, scontri e scelte coraggiose.

Il regista ha 30 anni, la mia età. All’ epoca della produzione d’ oro di “Peppino” (come lo chiamano affettuosamente gli amici) non è ancora nato.

Eppure riesce a cogliere senza facili luoghi comuni e senza retorica l’ essenza umana dell’ artista.

Lo fa perché il suo è uno sguardo discreto, quasi imbarazzato e timido. Le inquadrature essenziali catturano solo i volti e le parole delle persone straordinarie che raccontano momenti di vita, aneddoti paradigmatici di un altro tempo. Di un altro tipo di persone.

E per me è un viaggio affascinante e commovente in un passato che mi appartiene solo come retaggio culturale.

Non ho vissuto le notti della Dolcevita romana a via Veneto.

Non sono stato testimone del periodo di grande fervore e sperimentazione culturale di quegli anni.

La voglia di comunicare, di cercare nuove vie espressive per un sentire che cambiava, si evolveva, toglieva gli ormeggi da porti sicuri e ormai obsoleti.

Non si trattava solo di incoscienza giovanile.

C’era dell’altro.

Un fuoco sacro che bruciava esistenze e sensibilità senza consumarle.

C’era l’ entusiasmo.

La parte più bella del documentario (nel complesso splendido) è quella finale dedicata all’ eredità lasciata da “Peppino”.

Non senti parlare di poetica, di scelte intellettuali, di tecniche e teorie teatrali.

Qualcuno ci racconta del cane di Patroni Griffi, qualcun altro della sua grande ospitalità nella villa di Hammamet. Altri del suo temperamento tempestoso e dolce.

Tutti ci raccontano della sua grande voglia di vivere.

Del suo amore sfrenato nei confronti della vita.

Del suo riuscire, da buon napoletano, a rendere anche i momenti più semplici le cartine di tornasole della bellezza e della profondità dell’ esistenza.

Come fosse uno spettro cromatico con il colore e la sfumatura adatta ad ogni momento, ogni istante, ogni respiro.

Tutti ci dicono, con un velo di lacrime, quanto fosse difficile stargli lontano anche solo per pochi mesi.

Quanto sia insopportabile, ora, sapere di non poter avere più accanto o intorno quella splendida tavolozza di colori, quell’ adorabile testardo, quella fonte inesauribile e generosa di entusiasmo, idee e voglia di vivere.

E ti accorgi che, anche se non sai quasi niente di lui, “Peppino” manca anche a te.

Grazie a Giuseppe Patroni Griffi.

Grazie ai suoi splendidi compagni di viaggio.

Grazie a Rocco Talucci per la sua preziosa, delicata e commovente opera.

In serata il Festival “Incontro fra le arti” propone la notte dedicata ai cortometraggi.

Una ricca e variegata carrellata di opere di giovani e meno giovani cineasti italiani.

In un clima che costituisce un antipasto della scorpacciata di glamour che ci aspetta nel week end, scorrono sullo schermo una decina di corti di grande interesse.

Per la varietà dei generi.

Per la ricerca testuale e narrativa.

Per lo studio che, soprattutto in alcuni, si concentra sull’immagine e sul suono.

Aspetto non consueto nella produzione nostrana.

Il corto deve essere soprattutto questo.

Un laboratorio non troppo costoso per sperimentare nuove idee e linguaggi.

Per raccontare storie proprie anche di una piccola tradizione, ma per questo universali.

Per questo ancora più preziose e rare.

Per questo da ricordare e preservare dalla dimenticanza, dal velo di polvere portato dal generalismo, dall’ uniformità, dall’ appiattimento culturale e delle idee.

Livio Morena

L’ animazione è la ricerca dell’ anima del movimento.

Il cinema nasce con il fine di riprendere il movimento reale di cose e persone (il treno, piuttosto che gli operai, dei fratelli Lumière).

Nasce, si potrebbe dire, con una natura documentaristica. Con il vantaggio di poter dare movimento a immagini statiche, come erano precedentemente quelle fotografiche.

Di qui l’ utilizzo immediato che ne viene fatto dagli antropologi nei primi decenni del Novecento.

La nascita, o meglio il passaggio da questa natura “verista” a quella cinematografica, si avrà nel momento in cui nascerà l’ esigenza di raccontare delle storie.

Dalla realtà alla fiction, dunque. Teatri di posa prendono il posto di paesaggi reali.

Si ricostruiscono scenari, sfondi. Si inventano plot. Si creano personaggi. Tutto per poter appassionare gli spettatori.

Nasce l’ aspetto commerciale della settima arte così come lo conosciamo.

Nasce, di conseguenza, l’ eterno conflitto tra cinema commerciale e  autoriale.

Forma o sostanza? Utile o effimero? Impegnato o frivolo?

In pochi intuiscono e comprendono, però e purtroppo, l’ unica vera natura del cinema.

Essere un’ industria. Costosa. Dispendiosa. Un’ industria che necessita di grandi spese,  che non sempre riesce ad ammortizzare con sufficienti entrate. Rischiosa, quindi.

Tanto più perché deve spesso coinvolgere (leggi assecondare) i gusti di un pubblico volubile e variegato, capriccioso.

Un’ industria che necessita anche di mezzi tecnici in continua evoluzione.

Di sperimentazioni di idee.

L’ animazione, precisa giustamente la Biondi, non va confusa con il concetto di cartone animato.

L’ animazione serve a dare il movimento laddove il movimento non c’ è.

Crea l’ anima, la dona a cose altrimenti immobili, statiche, svilite.

In questo senso è diventata una pratica più che mai utilizzata nel cinema degli ultimi anni per dare vita a mondi fantastici o ad azioni altrimenti impossibili. Da Matrix  a Harry Potter, la maggior parte dei colossal vengono creati al computer. Sarà un bene o un male?

Opinione di chi scrive è che il cinema sia, prima di tutto, spettacolo dello sguardo. L’ uso adeguato di 3d, digitale e animazione, ci trova quindi favorevoli, a patto di una certa morigeratezza.

L’ animazione comprende, anche e soprattutto, tutti i film della Pixar, Disney o dei maestri giapponesi come Hazaky .

La domanda che non abbiamo potuto rivolgere, per mancanza di tempo, a Teresa Biondi, è quale sia la situazione in Italia riguardo l’ animazione.

A livello di scelte produttive e creative. A livello di competenze tecniche. A livello di costi.

La notte è tutta dedicata ai più piccoli, con proiezione di cartoons, spettacoli di saltimbanchi e simpatici sketches.

Una serata di relax per tutti, dopo i primi faticosi giorni di festival, e in vista degli appuntamenti importanti delle prossime notti.

Livio Morena

Di amore ci parlano, nell’ incontro pomeridiano, Valentino Baldi e Gregorio Calderano.

Partendo dai “Frammenti di un discorso amoroso” di Roland Barthes, Baldi traccia tre macrocategorie. L’ amore contemplativo, quello sensuale e quello disperato.

Calderano gli fa da contrappunto musicale intrecciando un tappeto di note  ed armonie su cui cominciamo il viaggio nella letteratura, nel tempo e nella musica, che ci porta dagli stilnovisti a Graham Green, da Caproni a Nabokov, da Gershwin a De Andrè.

È un viaggio intenso ed affascinante. Discese ardite e risalite del cuore e dell’ anima.

Attraverso le righe e i pentagrammi di autori immortali, passiamo dallo sguardo (fulcro del giorno precedente), dalla contemplazione, alla passione, per giungere infine alle pene figlie dell’ abbandono, del distacco dalla metà del nostro sentire.

Quella che viviamo insieme ai due protagonisti è, a ben vedere, una sorta di storia d’ amore vera e propria. Quella di ognuno di noi. Quella  che va dall’ innamoramento all’esplosione passionale ed erotica, e che finisce con l’ angoscia e le lacrime. E col disincanto.

Viviamo anche l’ amore dei due verso le loro rispettive discipline, la letteratura e la musica. Noi, curiosi “voyeurs”, dinanzi alle nudità dell’ animo del Baldi e del Calderano.

E la notte segue la stessa scia.

Va in scena il “Simposio Oraziano”, spettacolo montato e allestito su scritti del grande poeta lucano, in cui si ricostruisce (visto che ci sono prove certe che queste avvenivano regolarmente), una cena tra Orazio, Virgilio, Messalla e Augusto.

Orazio proclama il suo amore per la vita agreste, per Augusto e per la poesia. Augusto manifesta la sua fervente passione politica, la sua sete di giustizia e la sua pietas verso i più deboli.

Virgilio, glissando sui sinceri complimenti dei commensali, è l’ emblema stesso dell’ amore in quanto disinteresse per il sé e per il proprio.

L’ amore, insomma,  continua a farla da protagonista.

Ma chi scrive vuole sottolineare, oltre alla bravura degli attori e dei ballerini in scena, la passione e l’ amore del lavoro che ha preceduto la rappresentazione.

Un lavoro lungo e faticoso che ha visto coinvolti scenografi, coreografi, sarti, fonici e tecnici luci.

Diverse maestranze. Diverse competenze. Diverse esigenze. Tutte unite ed impegnate a smussare spigoli, ad accettare compromessi, a rinunciare più che a pretendere.

Tutti con l’ unico obiettivo di portare a termine il lavoro nel miglior modo possibile.

E cos’ è questo se non amore per il proprio lavoro. Amore per il progetto. Amore per il territorio. Amore per un’ idea (quella del Festival) che evidentemente ha coinvolto tutti a più livelli.

E, alla fine, when the music and the lights are over, quello che conta, quello che rimane, è proprio la passione, l’ amore dato. Al di là del risultato.

Livio Morena

Tutto è molto rilassato. Bella sensazione, visto che siamo all’ inaugurazione ufficiale del Festival “Incontro tra le arti”. Si taglia il nastro rosso e tutto ha inizio in un’ atmosfera umana, terrena.

Non a caso si passa attraverso le opere di Paola Zito. Come nelle sue tele si umanizza il Mito, così qui si desacralizza la falsa ufficialità che di solito questi eventi portano con sé. Le opere della Zito partono dalla vista, la visione, la percezione ottica. Ecco, quello che i nostri occhi vedono è un’ amalgama perfetta di colori e calori, un’ umanità ritratta nel suo porsi domande. Nel suo interrogarsi senza mai però trascurare la propria essenza terrena. La propria medietà tra nuvole e polvere.

È la notte dell’ arte. L’ arte si fonda sullo sguardo, sul visus. E la lectio magistralis che Vittorio Di Giacomo tiene all’ interno del centro culturale è una splendida ed edotta descrizione di due sguardi reciproci. Quello del cinema verso l’ arte. Quello dell’ arte verso il cinema. Due prospettive, due profondità, due linguaggi non necessariamente in contrasto tra loro. Tutt’ altro. Come due retine che trasmettono al cervello una doppia immagine da mettere a fuoco. Quello di Di Giacomo è un percorso splendido, da togliere il fiato, sulle possibilità che l’ arte ha di rappresentare l’ umana condizione, anche rispetto al divino, e sulla necessità che il cinema ha di dare i mezzi interpretativi allo spettatore nel momento in cui filma l’ arte. Libera è l’ interpretazione. Rigorosa deve essere la sinusoide dei tempi e delle inquadrature. E del testo.

Il documentario di Vittorio di Giacomo sull’ arte tarantina è un equilibrio perfetto di immagini, musica, e soprattutto testo. Una sorta di grande opera lirica in cui c’ è ballo, musica e libretto. Assolutamente perfetto. Ogni frase si sposa con l’ inquadratura che accompagna. Si ci salda come fosse la cosa più naturale del mondo. Ogni parola, ogni verbo, ogni aggettivo. Tutto descrive l’ opera d’ arte come  fosse fatta della stessa materia, quasi avesse le stesse venature, amputazioni, colori. Un capolavoro del cinema al servizio dei capolavori della Magna Graecia.

È la notte dell’ arte. Ma siamo al festival “Incontro tra le arti”. Non stupisce, quindi, che il maestro Di Giacomo porti una chicca per gli spettatori. Un mediometraggio di Mario Martone sul periodo napoletano del Caravaggio. È un’ opera dura. Oscura. Cupa e terrena. Come l’ artista Caravaggio. Come la città Napoli in alcuni suoi aspetti. Il cinema diventa, in questo caso, il mezzo per stabilire parallelismi tra l’ arte e la vita reale, anche quando è scomoda. L’ occhio del regista diventa l’ interprete dell’ occhio dell’ artista, una lente focale sulla realtà di allora e su quella odierna. Sovrapposizione di visioni che si “dissolvono” l’ una nell’ altra. Confronto tra animi, sdegno, compassione e condanna. Martone non vuole essere consolatorio, così come non lo era Caravaggio. Entrambi sono spettatori e interpreti del loro tempo. E i volti ripresi dall’ uno si sovrappongono perfettamente a quelli ritratti dall’ altro. Loro è il mezzo. Nostra, come sempre dovrebbe essere, l’ interpretazione. Nostri sono gli occhi per vedere.

Livio Morena

Autore e regista, ha diretto sedici opere teatrali, nove eventi musicali, tre cortometraggi, tre opere liriche e tre strutture teatrali. In tale veste è stato fra i primi a realizzare spettacoli in aree periferiche, fabbriche, musei e biblioteche, in anni in cui il teatro era praticato solo in spazi elitari. Si occupa di teatro sociale come studioso e consulente di associazioni che gestiscono attività dirette a utenze speciali nei settori del disagio mentale e del recupero carcerario. Su tali problematiche ha relazionato nel corso della manifestazione sulla creatività negli stati di disagio a Melfi negli anni 2004 e 2005.

Ha rappresentato l’Italia all’estero durante le settimane di cultura italiana nel mondo arabo nel 1998 e 1999 nello Yemen e diretto il gemellaggio fra l’area archeologica di Volcei e il territorio di Corinto mettendo in scena in Grecia un’opera sulla guerra nel 2001.

Consulente dell’UNESCO per il progetto nazionale TEATRI DI BABELE attivato in occasione della Giornata Mondiale del libro.

Direttore artistico di eventi culturali, ha coordinato il premio Alfonso Gatto a Salerno, dove è anche responsabile delle attività culturali dell’Associazione di imprenditori GALAXIA. Dirige il Teatro Comunale di Sant’Arsenio nel Vallo di Diano (territorio fra Campania, Basilicata e Calabria, in cui ben 19 Comuni fanno riferimento a tre soli teatri). A Roma ha diretto per dieci anni la Sala Convegno dell’Aeronautica Militare organizzando eventi teatrali, musicali e letterari. Attualmente è direttore artistico della rassegna Notti Cangianti nell’ambito dell’ESTATE ROMANA.

Ha tenuto seminari e conferenze presso la facoltà di Scienze della Formazione dell’Università di Salerno e presso il DAMS di Bologna. Tiene laboratori e corsi di aggiornamento per docenti di ogni ordine e grado, soprattutto in materia di ESTETICA DEL LINGUAGGIO, diretti anche ad associazioni, individui e gruppi che intendano migliorare e valorizzare le proprie capacità espressive.

E’ stato cooptato nella dirigenza del CRESEC (Centro di Ricerca sulla Responsabilità Sociale, Eventi e Comunicazione) con il compito di studiare l’evento nelle sue dimensioni inter/multi-disciplinari, con particolare riferimento all’impatto mediatico degli eventi di cultura e spettacolo. In tale ambito è in corso di stampa il saggio Saperi di confine di AA.VV. da lui curato.

Ha scritto cinque testi drammatici rappresentati e pubblicato i saggi:

Epifanie dell’essere (Salerno, Ripostes, 2004)

Lo sguardo delle naiadi (Roma, Aracne, 2005)

Un teatro a Roma (Roma, Gangemi, 2006)

Maschere e volti (Roma, Bulzoni, 2007)

L’abdicazione teatrale (Salerno, Ripostes, 2008)

Vedi anche Gennaro Colangelo su Libreria Mistral